Alexander Gecko

Хоть я и не большой поклонник The Beatles, поскольку предпочитаю нечто более современное, вроде The Rolling Stones или Led Zeppelin, энивей, рассказать о их культовых записях для меня честь. Учитывая незаурядный факт, что альбом, о котором речь пойдёт ниже, оказал влияние буквально на все аспекты студийной работы. Итак, приступим.

1966 год. Студия EMI, Лондон. Четыре месяца работы. Результат - альбом, после которого музыку стали записывать иначе. Речь идёт о «Revolver» The Beatles.
Во многом, альбом Revolver - точка, в которой звукозапись перестала быть «документированием исполнения» и стала инструментом композиции. И всё это благодаря The Beatles, которые вместе с George Martin и инженером Geoff Emerick радикально пересобрали сам подход к студии.

Первый сдвиг - работа с «близким микрофоном». Барабаны и усилители писались на минимальной дистанции, что для того времени считалось нарушением правил. Это дало плотность и атаку, ранее недоступные в поп-записях. Компрессия стала не корректирующим, а художественным инструментом.

Второй - манипуляции лентой. В треках вроде «Tomorrow Never Knows» применялись лупы, реверс, вариспид. Скорость ленты изменялась для трансформации тембра и высоты, формируя психоакустический эффект, который невозможно было получить традиционными средствами. Это фактически предвосхитило современный саунд-дизайн.

Третий - переосмысление пространства. Вместо естественной акустики активно использовались искусственные реверберационные камеры и разные эффекты. Пространство перестало быть отражением комнаты и стало частью аранжировки.
Ограничение четырёхдорожечного рекордера привело к технике bounce - сведению нескольких дорожек в одну с последующей перезаписью. Каждое решение в этом случае становилось необратимым, что требовало точности на этапе записи. Это, как можно догадаться, дисциплинировало процесс и усиливало роль продюсерского мышления.
Главный результат - изменение всей парадигмы звукозаписи. После Revolver студийная работа и студия в целом стала полноценным инструментом, где микрофон, лента и пост-обработка формируют звук наравне с музыкантами.

Сейчас это мышление ныне лежит в основе современной звукозаписи и я рекомендую ориентироваться на такой подход как можно чаще.

1 week ago | [YT] | 0

Alexander Gecko

Жооооский фарм нового трекана🔥 Нескончаемые гастроли слегка выбили меня из колеи, но я - стремящийся пацан😎

3 weeks ago | [YT] | 1

Alexander Gecko

Решил сам сходить за шавухой, в надежде похудеть после ташкентского гостеприимства. Даже мусор захватил. Всё, как мама учила.

3 weeks ago | [YT] | 1

Alexander Gecko

Стереоизображение и глубина в треке.

Мои тирады про работу со звуком продолжаются. Не всё время же про яхты вам рассказывать. Сейчас о наболевшем - о стереообразе в мастеринге. И это действительно боль дырка задница при работе с любым миксом, в частности у меня.

Расширение стереобазы - безусловно, популярный приём, но его неправильное применение разрушает фазовую стабильность. Если трек теряет моносовместимость, он становится уязвимым в реальном воспроизведении. Особенно, в клубешниках и на концертном звуке.

Чуток теории. Глубина формируется не только реверберацией, но и балансом mid/side-компонентов. И да, усиление side-составляющей должно быть оправдано художественно. Тут на помощь приходит автоматизация side-фейдера. А вместе с ней - кропотливая, хирургическая работа, в которой задейстоваваны едва ли не все органы чувств. Короче, приподнимаем side на припеве или важном кульминационном моменте, ослабляем в куплетах, интро и тому подобных.

Контролируем всем, чем придётся - анализаторами, переключением в моно, ушами, третьим глазом, анусом, мизинцем…

Есть ещё интересный приём с комнатным ревером на мастере, мне очень нравится. Вкратце - включаем ревер (у меня BM60), выставляем очень короткую комнату, dry/wet подмешиваем на 2-3%. Потом байпассим и активируем плугин, вслушиваясь в разницу. Профит очевиден.

Желаю вам хороших качественных миксов и не обосраться на этапе работы со стереобразом😁 Ай люблю!🥰

3 weeks ago | [YT] | 1

Alexander Gecko

Частотный и тембральный баланс в мастеринге.
В перерывах между гастролями стоит продолжить прогревать народ на музыкальный продакшн и поэтому сейчас поделюсь важными мыслями про работу с тембром на этапе мастеринга.

Уясним, для начала, главное. То, что я, как попугай, постоянно повторяю:
Мастеринг - это работа с тональным центром тяжести композиции. Слишком мудрёно сказал, расшифрую. Если низ доминирует - трек теряет мобильность и читаемость. К тому же, избыточный низ чрезмерно нагружает мембрану динамика, в итоге она не успевает правильно передавать вибрации и колебания. Отсюда и берёт начало знаменитый пердёж динамиков. В случае перегруза в верхней середине - появляется утомляемость, трек начинает раздражать. К тому же, его очень тяжело слушать на больших громкостях.

Для контроля тембрального баланса пользуемся анализаторами, но помним - спектральный анализатор полезен и необходим, а ваш слух - истинный приоритет. В работе с тембрами важно оценивать не только абсолютные уровни частот, но и их взаимосвязь, сочетаемость. Бас должен поддерживать гармонию, а не конкурировать с ней, создавать чёткий взвешенный фундамент, на который опирается весь микс. Вокал - находиться в центре внимания без искусственного выталкивания и выпячивания. Понятно, что все эти истории должны реализовываться ещё в процессе сведения, я лишь ещё раз пытаюсь подчеркнуть их важность.

Помним - коррекция в 0,5 dB на мастеринге иногда решает больше, чем 5 dB на этапе сведения. Это зона минимальных, но стратегически точных движений. Вообще, я часто сравниваю работу с финальным миксом с исследованием микромира и квантовых частиц.
Простые истины, не так ли? Пользуйтесь!

1 month ago | [YT] | 1

Alexander Gecko

Надоело тратить деньги на основные человеческие потребности вместо маленьких удовольствий.

1 month ago | [YT] | 0

Alexander Gecko

Сегодня День Рождения одного из самых любимых мною писателей - Габриэля Гарсия Маркеса или просто Габо.
В честь 99-летия со момента рождения Габо решил подготовить тезисный путеводитель по жизни главного “магического реалиста” планеты:

Детство
• Родился в Аракатаке (Колумбия), в 1927 году. Этот город в последствии стал прототипом легендарного Макондо.
• Воспитание дедом-полковником. Дед Габриэля, ветеран Тысячедневной войны, рассказывал ему о сражениях и формировал взгляд на мир.
• Бабушка Габо Транкилина верила в сверхъестественное и рассказывала о призраках так буднично, что это и сформировало стиль Маркеса - магический реализм.

Тернистый путь к литературе
• По настоянию родителей поступил на юриста, но быстро понял, что кодексы ещё скучнее жизни и ушел в журналистику. Ох, как же это мне знакомо.
• В 1950-х он работал корреспондентом в Европе. Когда его газету закрыли, он остался в Париже без гроша, собирал бутылки, но продолжал работать над «Полковнику никто не пишет».
• «Группа Барранкильи» - Интеллектуальный кружок друзей-писателей и выпивох, которые научили его любить Хемингуэя, Фолкнера и Вирджинию Вулф.

«Сто лет одиночества» - рождение легенды
• Чтобы написать роман, Маркес заперся в кабинете на 18 месяцев, продав машину и заложив всю домашнюю утварь.
• Когда рукопись была готова, у него не хватило денег, чтобы отправить ее издателю целиком. Он отправил первую половину, а чтобы отправить вторую, его жене Мерседес пришлось заложить фен и миксер.
• Взрывной успех в 1967 году - первый тираж разлетелся за неделю. Роман перевели на десятки языков, а Пабло Неруда назвал его «величайшим откровением на испанском языке со времен Сервантеса».

Знаковые события и факты
• Нобелевская премия в 1982. Получил её с формулировкой «за романы и рассказы, в которых фантазия и реальность совмещены в покойном мире воображения». На церемонию он пришел не во фраке, а в традиционном колумбийском лики-лики.
• Дружба с Кастро. Маркес дружил с Фиделем Кастро, что вызывало много споров на Западе. Он использовал эту дружбу, чтобы помогать освобождать политических заключенных.
• Ссора с Льосой. В 1976 году другой великий писатель, Марио Варгас Льоса, ударил Маркеса в глаз на премьере фильма. Они не разговаривали после этого более 30 лет. Причина до сих пор остается «литературной тайной». Хотя часто намекают на личную драму.

Личные странности
• Маркес был крайне суеверен. Он считал, что желтые цветы приносят удачу и защищают от бед. На его рабочем столе всегда стояла роза или букет желтого цвета.
• Он утверждал, что не может работать, если в комнате слишком жарко или слишком холодно - температура должна была быть идеальной для «путешествия в Макондо». Лично у меня идентичная история.
• В конце жизни писатель страдал от деменции. Горькая ирония для человека, который написал о «бессоннице и потере памяти» в своем главном романе за 40 лет до того, как столкнулся с этим сам.

1 month ago | [YT] | 1

Alexander Gecko

Про динамический диапазон и его ценность.

От нехер делать продолжаю мои рассуждения о мастеринге, как о самом нетерпимом для меня процессе и сейчас расскажу про ещё один важный аспект этого действа. Он касается динамического диапазона.

В эпоху громкостной гонки многие стали забывать, что восприятие энергии строится на контрастах. А некоторые даже и не знали. Без видимой разницы между тихими и громкими участками микса теряется драматургия. Обратите внимание, даже в агрессивной электронной музыке пульсация основана на микродинамике. Вот тут мы вплотную подходим к компрессии и динамической обработке.

Запомните, а то забудете - компрессия на мастер-треке должна быть практически незримой. Если компрессор слышен, работает слишком активно - это уже грубейшая ошибка. Основная цель компрессии - стабилизировать материал, а не выровнять его до состояния плоской линии. Совет - используйте прозрачные и чистые компрессоры. Лично я подсел на Shadow Hills и Bettermaker, теперь жить без них не получается.

Транзиенты - истинный ключ к ощущению ритма. Избыточная компрессия, как и лимитирование, чересчур сильно сглаживает атаку, в следствии чего трек теряет импульс. В результате композиция может быть формально громкой, но субъективно восприниматься будет слабой и недоработанной. Ох, сколько я намучался с таким материалом - трудно подсчитать.

Итог - при работе с динамикой, всегда держим в уме, что профессиональный мастеринг ищет баланс между плотностью и сохранением дыхания динамики. К слову, иногда уменьшение громкости на 1 dB возвращает треку масштаб, который невозможно получить экстремальным лимитированием.

1 month ago | [YT] | 0

Alexander Gecko

ЛИЧНОСТЬ #1

Представьте себе человека, который заставил весь мир с замиранием сердца слушать тиканье антикварных часов и превратил банальный звон монет в самый узнаваемый звук планеты. Человек, о котором я сейчас расскажу, не просто звукорежиссёр и продюсер, это истинный алхимик музыки, который превращает в золото всё, к чему прикоснётся. Имя этого человека воедино и неразрывно связано с безупречным, узнаваемым саундом и группой Pink Floyd. Я имею ввиду, естественно, Алана Парсонса и сейчас расскажу о его великолепной персоне.

Алан Парсонс не просто попал в индустрию - он буквально вырос и сформировался в её колыбели. В 18 лет он переступил порог легендарной Abbey Road - да, той самой. Вообразите - этот юный, педантичный британец оказывается в эпицентре бури, когда The Beatles записывают Abbey Road и Let It Be. Так что, можно сказать, что на его глазах создавалась история. Под присмотром Джорджа Мартина Алан впитывает главное правило: студия - это не просто комната с микрофонами, а полноценный музыкальный инструмент.
Его звездный час наступил в 1973-м. Безусловно, Pink Floyd были группой с гениальными идеями, но именно Парсонс стал тем архитектором, который возвел для этих идей фундамент.

Работая над The Dark Side of the Moon он был буквально одержим саунд-дизайном. Пока Уотерс и Гилмор спорили о философии или о чём там ещё они любили дискутировать, Парсонс часами записывал звон будильников в лавках антикваров и экспериментировал с огромными петлями магнитной ленты, которые растягивались через весь коридор студии. В итоге, он создал звук, который ощущался физически - глубокий, объемный, космический. Кстати, за это он получил номинацию на «Грэмми» как лучший инженер, но, что важнее, он получил статус легенды.

Со временем, Алан Парсонс осознал, что больше не хочет быть просто “руками” других творцов, пусть и великих. Ох, как я поощряю эти амбиции. В середине 70-х вместе с Эриком Вулфсоном он создает The Alan Parsons Project. Это был уникальный, для того времени, формат - группа, у которой нет постоянного вокалиста, зато есть концепция и философия.
Парсонс записывал альбомы по мотивам Эдгара По и Айзека Азимова, превращая прогрессивный рок в интеллектуальный блокбастер. Его музыка - неподражаемая впечатляющая палитар, действительно впечатляющая, даже в контексте современной музыкальной сцены. Она наполнена такой кинематографической глубиной, что в какой-то момент начинаешь буквально видеть звук.

Немного о философии.
Как ни крути, но Алан Парсонс - это воплощение британской сдержанности и перфекционизма. Он никогда не гнался за дешевыми эффектами или «грязным» гаражным драйвом. Если я возьмусь характеризовать его стиль, то отмечу следующее:
Прозрачность и детальность. Это не преувеличение. Вы можете услышать каждый инструмент, будто музыкант стоит в метре от вас.

Инновациионность. Однознанчо, он одним из первых начал использовать цифровые технологии, но сохранил то самое аналоговое тепло.

Скромность. Несмотря на статус, он всегда оставался “за стеклом” микшерного пульта, предпочитая, чтобы за него говорила его акустическая архитектура.
Здесь я ничуть не грешу против истины - его персона была мной не изучена вплоть до прошлого года, когда друг познакомил меня с несколькими работами Алана. Да и когда я готовил этот материал, убедился - много информации про Алана сходу не найдёшь.

Теперь про наследие. Сегодня Парсонс - живой эталон и легенда, воплощение и олицетворение эпохи. Он один из тех, кто научил нас, что звук может быть не просто фоном, а отдельной вселенной, в которой можно полноценно прожить свою жизнь. И несколько других тоже.
Парсонс создавал и создаёт пространства, миры и вселенные. И помните, что каждый раз, когда вы надеваете наушники и проваливаетесь в объемное звучание современного альбома, знайте - частичка генома этой музыки заложена Аланом Парсонсом.

1 month ago | [YT] | 1

Alexander Gecko

О главных целях и задачах мастеринга.
Сегодня решил в лаконичной форме, насколько это возможно, начать излагать основные постулаты, которые следует знать при мастеринге своих треков. Поскольку мастеринг - это один из самых ненавидемых мной процессов, я всегда стараюсь максимально облегчить пути достижения целей, сформировав для себя несколько важных принципов. Сейчас расскажу про основное.

Главная задача мастеринга - сохранить архитектуру микса и перевести её в универсальный формат воспроизведения. Трек должен одинаково уверенно звучать в концертной портальной системе, автомобиле и в потоковом сервисе. Ну, или хотя бы без явных изменений в тембре. Важно отметить, что если на этапе мастеринга приходится «чинить» баланс инструментов, значит проблема находится глубже - в сведении. Теперь о принципах.

Первый принцип - контроль спектральной целостности. Низ должен быть собранным и управляемым, без паразитных резонансов. Средний диапазон - читаемым, без маскировки вокала и лид-инструментов. Верх - информативным, открытым, но не агрессивным. Любая эквализация на мастеринге - это микрохирургия, с едва заметными сдвигами в разных областях АЧХ.

Второй аспект работы касается динамики микса. Современные релизы стремятся к плотности, но потеря микро- и макродинамики убивает музыкальное дыхание. Лимитер должен работать как защитный, ограничивающий механизм, а не как инструмент разрушения транзиентов. Например, если атака бочки исчезает - трек теряет фундамент и весь микс разваливается в непонятную массу.

Третий принцип - контекст. Мастеринг познаётся в сравнении - с референсами, с вашими другими треками , с требованиями платформ. На последний можно забить, но увлекаться чересчур не стоит. При этом не нужно копировать чужой саунд один в один. Ваша задача как инженера - раскрыть индивидуальность материала, подчеркнуть его сильные стороны, а не подогнать микс под тренды, которые меняются с завидным постоянством.

Как итог, мастеринг - это, скорее, про точность и дотошность в каждой гармонике микса. Этот процесс никогда не спасает днищенский материал, даже не надейтесь, а лишь способствует акценту внимания на сильные стороны композиции.

1 month ago | [YT] | 1